Ismael González de la Serna: Cabalgando entre vanguardias.

Ismael González de la Serna, pintor español, (Guadix, Granada, 1898-París, 1968). Establecido en la capital granadina desde 1899, con tan sólo 9 años de edad comienza su formación pictórica en la Academia de Bellas Artes de Granada. Expone por primera vez en 1915, y se traslada a Madrid dos años después donde continúa formándose en La Real Academia de San Fernando y exhibe en el Ateneo, con claras referencias impresionistas. Retorna a tierras andaluzas en 1918 y representa sus lienzos en el centro artístico de Granada, además de ser quien se encarga de ilustrar el primer libro de su amigo Federico García Lorca, titulado: Impresiones y paisajes. Asentado en París desde 1921, entra en contacto con los artistas españoles en París, como: Juan Gris, Pablo Picasso o Pablo Gargallo. A finales de la década (1927), la prestigiosa galería parisina: Paul Guillaume, se convierte en el primer escaparate galo para parte de su producción. Poco después, ciudades como: Bruselas o Berlín (Galerías Centauro y Flechtheim o La Nacional de Berlín, respectivamente), se convierten en escenarios idóneos donde exhibir de nuevo sus trabajos y adquirir relevancia internacional. Asimismo, participa en una exposición colectiva en Dinamarca (Copenhague, 1933), o colabora con posterioridad en el Pabellón Español Internacional de París en 1937. A lo largo de los años cuarenta y cincuenta, no ceja en su actividad artística estando presente en diversas muestras en la Galería nacional de Praga, en la Galería Tate de Londres, en el Museo Nacional de México o en la Galería Hammer de Nueva York al ocaso de su carrera..

Junto a Ramón Acín.

Dueño de un estilo personal, su carrera no estuvo adscrita a ningún estilo concreto, más bien cabalgó entre el: surrealismo, cubismo, expresionismo, impresionismo o incluso la abstracción. Su cromatismo y el exquisito tratamiento de las formas, aportaron un legado reconocido notablemente por futuras generaciones.
A comienzos de los sesenta (1963), una parálisis cerebral lo condena a interrumpir su trayectoria artística y le provoca la muerte cinco años después. Miembro destacado de la denominada como Escuela de París. En la actualidad, su ecléctica producción está presente entre otros centros en: El Museo de Arte Moderno de París, El Centro Reina Sofía,  La Galería Nacional de Berlín o el Museo Nacional de Arte Moderno de México.

El juicio, 1926.

Bodegón con tambor, 1928.

El jefe de los demonios, 1928.

El gran inquisidor, 1933.

La conferencia de paz, 1933.

Composición surrealista, 1934.

La caída, 1935.

El beso, 1938.

Bodegón con naipes, 1940.

La guerra, 1943.

Juan José Luis González Bernal: El pintor olvidado.

Juan José Luis González Bernal, pintor y dibujante surrealista español, (Zaragoza, 30 de Marzo de 1908- La Malmaison, París, 18 de Noviembre de 1939 ). Formado en la Escuela Industrial de Artes y oficios de la  capital aragonesa como aprendiz de joyero, así como en calidad de alumno dentro de la Academia de Abel Bueno. Sin embargo, pocos años después abandona su ciudad natal en gran medida por una falta de entendimiento de sus paisanos: "Soy extranjero en mi tierra, paso incomprendido por ella" para fijar su residencia en Barcelona, donde participa en la Exposición Universal de 1929 siendo suya la decoración del Pabellón de Metalurgia. A finales de año, recala en París donde tras conocer a Julen Supervielle entra en contacto con un extenso grupo de artistas, entre los que destaca el cineasta Luis Buñuel o la diseñadora Coco Chanel. En su etapa francesa, asimismo ejerce como ilustrador y colaborador en el diseño tipográfico de la revista Minotaure. En breve, retorna a Zaragoza con motivo de una exposición individual y recorre diversos enclaves nacionales para presentar parte de su producción artística. De esta manera, ciudades como: Barcelona, Santander o Bilbao, se convierten en sedes temporales de sus lienzos. Establecido de nuevo en la capital del Sena, expone en la Galería Jacques Bonjean (1934), participa en el certamen de Arte español contemporáneo de París y está presente en la Bienal de Venecia (Ambas a lo largo de 1936).

Con posterioridad, iniciada la guerra civil española decide integrarse y luchar contra el bando nacional. Anarquista y republicano convencido, está dispuesto a combatir en las trincheras, aunque su delicado estado de salud (Aquejado de tuberculosis) le obliga a mantenerse apartado de la acción. Operado en Barcelona, vuelve a París y permanece activo en la Oficina de propaganda y turismo de la República española. No obstante, la grave enfermedad que arrastra lo condena a la muerte con tan sólo 31 años de edad.
Artista vital y de estela prodigiosa, su estilo surrealista que antes transitó por el cubismo y la abstracción, delata el talento de un pintor símbolo de vanguardias, modernidad y pureza. Paisajes, figuras y un mundo onírico extraordinario, dejan la huella que su corta carrera por suerte nos pudo ofrecer.
Al nivel de Chirico, Miró o Tanguy, suya es una producción que el tiempo (tras el ostracismo franquista) le ha otorgado el justo valor que le corresponde.

Goya, 1928.

Sin título, 1930.

Cabeza de Bestia, 1930.

Regeneración, 1930.

Piedra filosofal, 1934.

Figura surrealista con violín, 1936.

Sin título, 1936.

Paisaje, 1936.

Hombre encadenado, 1937.

Ángeles Santos: Un mundo surrealista propio.

Ángeles Santos Torroella, pintora española, (Portbou, Gerona, 11 de Noviembre de 1911). Hija de un oficial de aduanas y hermana del reconocido crítico literario Rafael Santos. Durante su infancia, debido al itinerante trabajo paterno, fija su residencia en diferentes localidades a lo largo y ancho del país. Traslados múltiples y fugaces, frente a otros de importancia clave para su evolución y trayectoria posterior, como fueron: Sevilla y Valladolid. No en vano, es en la capital andaluza donde se descubren sus excelentes aptitudes para la pintura y recomienda a la familia su formación artística. Una formación académica puesta de manifiesto e iniciada con posterioridad en Valladolid, a las órdenes del pintor italiano Cellino Perotti en un periodo de dos años. Concluida su etapa de aprendizaje, da inicio al enorme potencial de sus pinceles, siendo:"Tertulia (El cabaret)" de 1928, la primera de sus obras relevantes y referente obligado del influjo de la Nueva Objetividad alemana en la pintura nacional. Sin embargo, será su lienzo maestro y emblema dentro de toda su carrera: "Un mundo" de 1929, quien le otorgue una posición destacada en el panorama surrealista nacional. Un trabajo colosal, repleto de simbolismo y fruto de un delicioso universo onírico por descubrir. Ambas, a día de hoy, presentes en el Museo Reina Sofía de Madrid.

Integrada dentro de los círculos intelectuales de su época, en contacto con artistas como: Cristobal Hall, Mariano de Cossio, Jorge Guillén, Federico García Lorca, Juan Ramón Jiménez...Expone por primera vez de forma individual en el Ateneo de Valladolid en 1929, obteniendo un notable reconocimiento que la llevará a exponer en el Salón de Otoño madrileño e incluso más adelante algunos de sus lienzos serán exhibidos en: París (1931) o el Pabellón español de la Bienal de Venecia (1936).

A los 96 años con algunas de sus obras.

Una progresión vertiginosa y tremendamente prodigiosa para su corta edad, que se ve truncada por diversos problemas personales (crisis nerviosas seguidas de su internamiento en un sanatorio) y no resucitada hasta mediados de los años treinta. Un despertar elogiado, tras haber contraído matrimonio con el pintor Emili Grau Sala, pero que poco o nada tiene que ver con la fuerza, fascinación y exquisita originalidad aportada por el genio de su juventud. "Cuando me casé, me dije que ya no quería pintar más como lo había hecho", tal y como pone de manifiesto Santos, su producción sufrió un giro radical. Colores vivos y luminosos alejados del legado previo junto a paisajes y pinturas metafísicas copan este nuevo periodo artístico. Sin embargo, tras dar a luz a su hijo, el también pintor Julián Grau Sala, se consagra por entero a la maternidad y no retoma la paleta hasta 1967, para dos años después exponer en la Sala Rovira barcelonesa. Desde entonces, algunos galardones valoran su inmenso talento. Así, la concesión en 2004 de la Medalla Nacional de Bellas Artes o el Premio San Jorge entregado por la Generalitat catalana en 2005, rinden tributo a una artista que debía haber sido figura clave a nivel internacional. En definitiva, una mujer fascinante, artista libre, bandera de las vanguardias y sinónimo de genialidad. Una estrella sobresaliente sobre las surrealistas de su generación: Remedios Varo, Maruja Mallo o Leonora Carrigton, la cual, pese a su vertiginosa y  precoz herencia antes se apagó.

Niña durmiendo, (1929).

La tierra, (1929).

Tertulia (El cabaret), 1929.

Un mundo, (1929).

La niña muerta, (1930).

Lilas y calavera, (1930).

Alfred Kubin: Ilustraciones al borde de la locura.

Alfred Kubin, dibujante austriaco y aprendiz de fotógrafo de Klagenfurt, (Litomoíice, Bohemia, 10 de Abril de 1877- 20 de Agosto de 1959). En su juventud, considerado clínicamente loco (debido a ello estuvo ingresado en una clínica mental), incluso intentó suicidarse en 1896 ante la tumba de su madre, sin embargo el arma se encasquilló. Tan sólo un año después, se traslada a Munich para ingresar en la escuela privada del pintor expresionista alemán Karl Schmidt Rottluff. Posteriormente a comienzos del siglo XX (1901), entra en contacto con la obra gráfica de Max Klinger, la cual supondrá una enorme influencia para su evolución y desarrollo artístico (No de menor importancia se presentan los trabajos de Francisco de Goya, James Ensor o Edvard Munch). De igual manera, en 1905, conoce al también pintor simbolista Odilon Redon en la capital parisina y el curso posterior adquiere la finca Zwickeldt, en la que se retirara en el futuro.
Escritor de la novela fantástica: El otro lado o la otra parte (una de las obras fantásticas clave en lengua alemana), tras el fallecimiento de su padre, 1909. Su relación con el mundo de la literatura, tuvo una mayor extensión. Ilustraciones de poemas firmados por Edgar Allan Poe, Oscar Wilde o Gerard de Nerval, entre otros completan sus distinguidos trabajos en común.


Miembro de la Nueva Asociación de artistas y de la Blauer Reiter. Su estilo, mezcla de: elementos oníricos, fantásticos, tenebrosos y propios de alucinaciones cercanas al terror, delatan la personalidad de un autor inconfundible y retorcido entre tinieblas. Pesadillas basadas en una amalgama de arañas, demonios,  murciélagos atacantes, cadáveres, monstruos o el erotismo y la figura de la mujer como elemento central de sus pensamientos, completan el abanico temático de su producción. La de un hombre, en definitiva, angustiado e inmenso en su tremenda excepción.
Además, conviene resaltar su estrecha relación de amistad con los artistas expresionistas Franz Marc y Paul Klee. Así como, su papel como precursor del movimiento surrealista.

Autoobservación, (1900).

Sin título, (1900).

Ciencia, (1901).

El espanto, (1901).

El último rey, (1901).

Gobierno, (1901).

Señora a caballo, (1901).

La guerra, (1902).

Adoración, (1902).

La mujer, (1902).

Nuestra madre de todos, la Tierra, (1902).

Salto mortal, (1902).

Ilustración para la obra de Poe: Asesinato en la calle Morgue.

Ojo por ojo.

El paseo, (1904).

Edgar Mendoza: Nueva savia mexicana.

Edgar Noé Mendoza Mancillas, pintor mexicano afincado en España (Durango, México,11 de Octubre de 1967). Desde finales de los ochenta (1989), da comienzo a su formación pictórica al ingresar en La Escuela de Pintura UJED de su ciudad natal. Institución fundada en los cincuenta por el muralista Francisco Montoya de la Cruz y que ostentó durante décadas reconocido prestigio en el país. Si bien, devaluada por el correr de los tiempos en el momento que Mendoza disfrutó de sus clases, distaba mucho del brillo de épocas pasadas. Instalaciones deterioradas junto a excelentes profesores ahora en el ocaso de sus carreras y mermados en fuerzas, dejaban al descubierto las escasas posibilidades de una enseñanza con palpables déficit de calidad. No obstante, el interés por experimentar en los talleres a disposición en la escuela o por conocer la historia, evolución y vigencia de las vanguardias desde el cubismo a la abstracción (a partir de las continuadas en la Biblioteca del centro) le garantizaron una formación teórica y práctica notable para su desarrollo como pintor.

Artífice del renacer de la pintura mexicana en la región de Durango, es parte activa a principios de los noventa dentro de los circuitos muralistas en Cuernavaca o México DF. Exposiciones y trabajos en su patria que en 1996, cambian al establecerse en tierras españolas: "El Alcalde de Durango, Silerio Esparza, me encargó un retrato que me remunera con unos billetes de avión para España. Fue en este primer viaje a España, cuando conocí al crítico de arte y Catedrático Joan Peiró López, actual Director y Decano del Departamento de Pintura de la Universidad Politécnica de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y Vicerrector de Cultura de dicha Universidad, el cual  me brindó una Beca alimenticia que me permitió permanecer durante un año en este país, haciendo una mezcla de pintura abstracta con realismo y teniendo la oportunidad de visitar el Museo del Prado y el Louvre de París. Fue tanto el impacto ver por primera vez todas aquellas pinturas de los libros de mi adolescencia, que la realidad llenó completamente el estilo en el que quería que se expresaran mis imágenes", según palabras del pintor. Una vez concluida su beca retornó a México, para en 2002 una vez concedida la tercera de sus becas establecerse en la ciudad de Alicante hasta la actualidad.

Un genuino creador, cuya obra con un ascendente valor ha sido exhibida en diversos museos y galerías españolas en León, Madrid, Barcelona o Valencia.

Avaricia.

El coleccionista de nubes.

Entomófaga.

Golfista con chaqueta. 

La herencia.

La máquina del tiempo.

La merienda.

La muerte y la doncella.

Las cirujanas.

Los dos pilares.

Malabarista.

Maurición.

Sueño con sillas.