Jean Delville: Simbolismo y ciencias ocultas.

Autorretrato, 1944.

Jean Delville, escritor, pintor y artista decorativo belga, (Louvain, 19 de enero de 1867-Forest, Bruselas, 1953). Formado académicamente en La Escuela de Bellas Artes de Bruselas en compañía de Eugéne Laermans o Víctor Horta, expone por primera vez y de manera simultánea a sus estudios a la edad de veinte años. No obstante, en esta época comienza a mostrar una creciente pasión por las denominadas ciencias ocultas, ocultismo,... dando un giro sustancial a su temática. Un cambio e interés que adquiere solidez cuando se traslada a París, allá por 1889, y entra en contacto con el ocultista Joséphin Péladam (descendiente de magos persas, según sus palabras), fundador del Círculo Rosa-Cruz y en el cual Delville expondrá repetidas veces entre 1892 y 1895. Influido por el Renacimiento italiano, autores tales como: Rafael, Leonardo o Miguel Ángel, resultaron esenciales en la conformación de su estilo personal.

Asimismo, brillante en el manejo de la pluma. Los temas del idealismo, esoterismo, alegorías o la cábala son estandartes y férreas convicciones plasmadas, entre otros, en su libro: "Diálogo entre nosotros. Argumentación cabalística, ocultista, idealista." de 1895 e inmortalizadas en gran parte de su obra pictórica. De esta manera, la extensa relación de ideas ocultistas escritas, es decir: la creencia en la reencarnación, la existencia de un fluido divino en los cuerpos, en el éxtasis o la telepatía, están directamente relacionadas de forma evidente con toda su obra y explícitamente manifestadas en dos de sus trabajos más célebres: El ángel del esplendor y Los tesoros de Satán.
Profesor en la Escuela de Bellas Artes de Glasgow de 1900 a 1905, y director de La Academia de Bellas Artes de Bruselas hasta 1937, obtuvo un reconocimiento en vida, pronto relegado al olvido durante décadas. Sin embargo, en la actualidad, su obra de nuevo valorada, ha recuperado el vigor que en ningún momento debió perder. La de un artista imprescindible, y defensor de una concepción del arte que para muchos es necesario reivindicar: " El arte, lo es, si confluyen tres factores: la belleza espiritual, la belleza plástica y la belleza técnica."

Parsifal, (1890).

Retrato de Mrs. Stuart Merill, (1892).

Orpheus, (1893).

Fin de una era, (1893).

El ángel del esplendor, (1894).

Los tesoros de Satán, (1895).

El amor de las almas, (1900).

Prometheus, (1907).

La ley moral, (1914).

El mundo erótico de Bruno Schulz.

Bruno Schulz, pintor, dibujante, diseñador, grabador y escritor polaco judío (Drogóbich, Ucrania, 12 de Julio de 1892- Ídem, 19 de Noviembre de 1942). Profesor de diseño en el Instituto de Enseñanza Media en su pueblo natal, realizó anteriormente estudios en arquitectura en Lemberg y arte en La Escuela de Bellas Artes de Viena. Dedicado al mundo de las artes, destacó sobre todo en el de la literatura, siendo su obra: Las tiendas de canela, publicada en 1934, la que mayor fama le reportó. No obstante, y aunque en la II Guerra Mundial la mayoría de su producción pictórica fue destruida, se conserva una estupenda colección de grabados incluidos en su obra: Libro idólatra de 1920, donde pone de manifiesto una relación hombre-mujer cargada de simbolismo y dentro de un juego "erótico" basado en el papel subordinado del varón y la latente veneración de Schulz por la mujer. De hecho, mujeres altivas y déspotas contrastaban con la posición de humillación y deseo presente en los rostros desfigurados de los marchitos hombres. Dominación femenina, provocación, y ciertas dosis de perversión definían esta serie, considerada como mínimo escandalosa e irreverente por la moral conservadora de la época que le tocó vivir.  Considerado como uno de los grandes escritores de lengua polaca y figura clave en la vanguardia europea del denominado como periodo de entreguerras, fue abatido por un tiro en la nuca durante Noviembre de 1942 (ese mismo iba a huir hacia otra ciudad), en plenas calles de Drogobich por una agente de la Gestapo. Si bien su muerte, escapa a cualquier lógica que se le pueda aplicar: "Schulz pereció cuando Karl Günther -un oficial nazi rival de Landau- le descerrajó un tiro en la cabeza. Schulz era un protegido de Landau, pero éste, que en 1941 caminaba por las calles del pueblo pistola y látigo en mano sembrando el terror, mató a un dentista amparado por Günther. Y Günther replicó a su contrincante: "Tú matas a mi judío, yo mato al tuyo". Fuente: El País.
Dueño de un estilo tenebroso, sombrío y compañero de atmósferas asfixiantes o lúgubres, resultó único dentro de toda una generación. Su asesinato en pleno cénit de su carrera, terminó con la prometedora carrera de un artista al que le quedaba todavía mucha realidad que contar.

 Serie: El libro idólatra, (1920).

La historia secular.

La procesión.

Sementales y eunucos.

Úndula el eterno ideal.

Bestia.

Obra de 1934.

Obra de 1937.

Autorretrato, (1920).

Jan Toorop: Simbolismo con sabor oriental.

Toorop en 1892.

 Jan Toorop, pintor neerlandés de origen javiano, (Purworejo, Java, 20 de Diciembre de 1858-La Haya, 3 de Marzo de 1928). Hijo de padre inglés y madre oriental,  fija su residencia en los países bajos a medidos de los setenta (1874). Se forma en Delf y la Universidad de Amsterdam en las cuales aprende diseño, para pasar con posterioridad gracias a una beca de estudios, a la de la ciudad de Bruselas donde entra en contacto con el grupo artístico belga de "los XX", se constituye como miembro en 1885 y experimenta en primera persona la evolución del movimiento simbolista. De esta manera, pintores como: Fernand Khnopff, Henry de Groux o James Ensor, forman parte de su círculo de amigos. Un año después, se traslada a Londres: entabla amistad con James MacNeill Whistler, da por descubierto el prerrafaelismo y a nivel personal, se siente identificado con las teorías socialistas de Morris. Asimismo, durante su estancia en París, recibe la influencia clave de Gustave Moureau, Jules Bastien-Lepage, Camille Pissarro, Paul Cézanne y Claude Manet.

Retrato de 1922.

Excelente pintor, experimenta una visión propia del simbolismo a partir de su esencia y gusto por los elementos gráficos de su Java natal, un hecho distintivo, que convierte a su obra en un legado único y a millas de lo usual. Clara definición de los contornos y un colorido salvaje, le otorgan una peculiaridad, dinamismo y cierta extrañeza visual a un trabajo repleto de figuras esbeltas, brazos largos y delgados o trazos curvados junto a formas chinescas, deudoras de su infancia y adolescencia en tierras javianas. En torno a la década de 1890, suyo fue un coqueteo con la técnica del puntillismo heredera de su creador: George Pierre Seurat, y aunque presentó una visión opuesta a la unidad plástica original tendiendo a la fragmentación de las formas, en breve retorno a sus líneas infinitas y de tonos puros. Su conversión al catolicismo a comienzos del siglo XX (1905), supuso un cambio en la temática de su producción. Escenas religiosas, místicas y simbólicas, plasmadas en lienzos y vidrieras dominaron su última etapa profesional. La de un pintor innovador y arriesgado que hizo de la mezcla de corrientes (expresionismo, simbolismo, puntillismo, art-nouveau) la más natural de las perspectivas.
Como curiosidad apuntar, que su hija conocida como Charley Toorop, también fue una reconocida pintora, esta vez expresionista, de la primera mitad del siglo XX.

Paisaje Meet Vaart, (1889).

Los calvinistas de Catwijck, (1891).

La tumba donde está la victoria, (1892).

La joven generación, (1892).

Deseo y gratificación, (1893). 

Fatalismo, (1893).

Las tres novias, (1893). Explicación del lienzo por parte del autor: " La novia central evoca el deseo interior, superior y bello...el sufrimiento ideal...La novia de la izquierda simboliza el sufrimiento espiritual, el noviazgo místico, los ojos muy abiertos de miedo. La novia de la derecha tiene una expresión materialista y profana."

Retorno a sí mismo, (1893).

Le passeur deau, (1895). Portada

Los observadores en la orilla del mar, (1900). 

Retrato de Lambert-Lourijsen, (1911). 

Jesús cogido de la cruz, (1918).

Alfons Mucha y su elegante Art Nouveau.

Alfons Mucha, pintor, grabador, escultor, diseñador, artesano y dibujante checo, (Ivancine, Moravia, 24 de Julio de 1860- Praga, 14 de Julio de 1939). Interesado por el dibujo desde la adolescencia, pretende cursar estudios en la Academia de Artes Plástica de Praga en 1877, siendo su petición denegada. En consecuencia, de manera circunstancial trabaja como decorador de una compañía teatral y retratista a lo largo de la década de los ochenta, e incluso da comienzo a su andadura profesional como artista entre Viena y Munich, donde ingresa en la Academia muniquesa. No obstante, será su posterior marcha a París en 1887 quien le abrirá las puertas del éxito y la popularidad, tras formarse en la Academia Julian de la capital francesa, gracias en gran medida al mecenazgo del conde Khuen-Belassi. Establecido en la ciudad del Sena, publica sus ilustraciones de manera regular en diversos diarios y diseña varios carteles (el primero en 1894) para la reconocida actriz teatral Sarah Bernhardt y su teatro de la Renaissance. Además, se encarga de la decoración del pabellón bosnio en la Exposición Mundial de 1900. De igual manera, a lo largo de su periplo por tierras francesas, se postuló como uno de las piedras angulares del denominado Art Nouveau. De hecho, sus carteles publicitarios (basados en un tratamiento de la fotografía, absolutamente innovador y original), estampas, dibujos, paneles decorativos, entre otras muchas de sus aportaciones, le consagraron como una figura fundamental y extremadamente virtuosa en cada uno de los géneros que trabajó.

Perfecto ejemplo del modernismo, residió en EEUU durante los primeros años del siglo XX (1904-1910), hasta que a partir de 1910 decide retornar a su tierra natal y centrar exclusivamente su última etapa artística y profesional en la pintura histórica y monumental. Un ciclo de veinte cuadros colosales, tales como la Epopeya Eslava, ponen de manifiesto una estética delicada, elegante y seductora.
Reconocido por su inconfundible estilo, muestra una clara inclinación a la curva y la contracurva unida al exquisito arabesco, la exuberancia y el exotismo patente en sus más afamados carteles modernistas.
Único en su legado, representa con las esbeltas figuras femeninas, místicos paisajes y suntuosas decoraciones, la producción de un genio consagrado a los sentidos.
Tres años antes de fallecer en 1939 (a causa de una pulmonía en pleno proceso interrogatorio de la Gestapo tras ser detenido), publicó su autobiografía. 
Como curiosidad apuntar, la cercana amistad que mantuvo con los también artistas: Auguste Rodin y Paul Gauguin.

Gismonda, (1894).

Amantes, (1896).

Primavera, (1896).

Verano, (1896).

Invierno, (1896).

Salammbo, (1896).

Cartel para Nestlé, (1897).

Savonnerie de Bagnolet, (1897).

Danza, (1898).

Frutas, (1898).

Job, (1898).

Carteles para las obras Hamlet y Medea, (1899).

El abismo, (1899).

Proceso para la creación del cartel de: Cloches de Nöel el Páques, (1900).

La esmeralda, (1900). Modelo y obra.

La Brunette, (1901). Modelo y obra.

Escultura: Cabeza de mujer, (1902).

Joya diseñada por Mucha, (1905).

Lottery of nationality, (1912).

Los eslavos en su tierra original, (1912).

Apoteósis de los eslavos.

Mujer en el desierto, (1923).

Vidriera en la catedral de San Vito de Praga, (Comienzos de  los años 30).