Glenn Brown: La aventura de la inmortalidad.

Glenn Brown, artista inglés, (Northumberland, 1966). Formado en La Escuela de Arte de Norwich y con posterioridad en el Goldsmith College de la capital londinense. Basa su trabajo en una propia recreación de
 obras de pintores legendarios de la talla de: Rembrandt o Salvador Dalí, o actuales como es el caso de   Frank Auerbach. Acusado de plagio en repetidas ocasiones, pone en valor sus creaciones y temática tomando como base este sólido argumento: "Hacer algo desde la nada es absurdo, las imágenes son un lenguaje. Es imposible pintar algo que no sea prestado, hasta los sueños hacen referencia a la realidad”.
Su estilo cercano al expresionismo y reconocido por un dominio torrencial del pincel, deja a la luz escenas de díficil descripción. Imágenes grotescas, realistas o ideales, en una mezcla cromática luminosa pero siempre atrapada en una, porque no decirlo, inquietante atmósfera de tenebrosidad.

Sarah Lucas: El sentido irreverente de la provocación.

Autorretrato, 1996.

Sarah Lucas, artista británica, (Londres, 1962). Nacida en el seno de una familia trabajadora, creció en un barrio al norte de la capital. Falta de motivación, con 16 años decide abandonar sus estudios y tan sólo un año después se queda embarazada, circunstancia inesperada que supone un cambio sustancial en su trayectoria personal. De hecho, toma la decisión de abortar, vende parte de sus pertenencias (Su colección de discos, por ejemplo), hace la maleta y cree conveniente cambiar de estilo de vida. Dispuesta a dejar atrás su infructuoso pasado, recorre Europa haciendo auto-stop durante un breve periodo, no obstante, apagada retorna a la residencia familiar. Una vez de vuelta, motivada por nuevas amistades ingresa en La Escuela de Arte de la ciudad y posteriormente de 1984 a 1987 en el Goldsmiths College. De esta manera, entra en contacto con Damien Hirts, Gary Hume, Matt Collishaw, Tracey Emin, o Angus Fairhurst, ilustres representantes del llamado Grupo YBA, siglas que corresponden a la denominación de Young British Artists o Jóvenes Artistas Británicos. Sin embargo, pese al éxito de sus compañeros Sarah no encontrará un cierto reconocimiento hasta 1992 y su sonada exposición:  Penis Nailed to a Board (Penes clavados a una tabla). Si bien, su primera exhibición individual, data de 1998 en un edificio en Clerkenwel. En la actualidad, debido a su notable relevancia dentro de la escena internacional, sus trabajos han estado presente en diversas galerías y museos, tales como: el Tate de Liverpool, el Frans Hals Museum o la Kunsthalle de Zurich.
En lo que respecta a su estilo, la utilización de todo tipo de materiales desde latas de cerveza a pescados pasando por muebles viejos, confluyen en un intento por encontrar un significado coherente a su reflexión. Crítica, escándalo y análisis, con la mirada puesta en la preponderancia del valor masculino y el papel cambiado para la mujer. Todo ello, sin perder de vista cual es su sentido original: "Tenéis que pensar dos veces sobre todo lo que digo, da igual lo que diga, en serio o en broma. Es una provocación”

Autorretrato con calavera.

Autorretrato con taza de té.

¿Tienes un salmón?.

Nunca es hacia arriba y hacia abajo, 2003.

Sex baby, (2000).

Varios planos de su obra: Cristo reconoce que no es fácil, 2003.

Penetralia, 2010.

John Salt: Hiperrealismo marginal.

John Salt, pintor hiperrealista inglés, (Birmingham, 2 de Agosto de 1937). Inicia su formación en la Escuela de Arte de su ciudad natal, a lo largo de la década de los cincuenta (1952-1958) en la especialidad de diseño, dando por concluida su etapa formativa en Gran Bretaña, tan sólo dos años después, al ingresar en la Escuela de Arte londinense hasta 1960. Establecido de nuevo en su tierra de origen, ejerce como docente en el Colegio de Arte Stourbridge, hasta que en 1966 y tras haber contraído matrimonio, decide trasladarse a EEUU e inscribirse dentro del Instituto de Arte de Maryland en Baltimore de 1967 a 1968. Padre del denominado: Fotorealismo o Realismo fotográfico, junto a otros ilustres como Chuck Close o Richard Estes, desarrolla en su etapa norteamericana los trabajos más relevantes de toda su producción. Vehículos abandonados, siniestrados y decrépitos, lugares en ruinas, caravanas y estilos de vida marginal, configuran unos lienzos ajustados a la realidad. Reflejo crítico de una sociedad fundamentada en el consumo fugaz, asentada en los principios consumistas de obsolescencia y caducidad, en el perverso modelo del usar y tirar. Objetos sin raíces, sin historia y sin ser. A kilómetros del platónico sueño americano de opulencia y esplendor, que Salt retrata de una manera magistral. En lo que respecta al dominio de la técnica, pinta mediante la proyección de transparencias sobre sus lienzos, recreando los colores y formas a base de un  aerógrafo y la utilización de plantillas. 

Sus trabajos han sido expuesto en galerías y museos de: Londres, Hamburgo, Nueva York, Edimburgo, Detroit,...

Fairlane con malas hierbas, 1972.

Pontiac blanco con un tronco, 1973.

Caravana rosa con Playmoutht, 1974.

Light blue trailer home, 1984.

Side street parking, 1987.

Sin título, 1990.

Caravana azul, 1993.

Aparcamiento con árbol, 2008.

Arnulf Rainer: Trazos, impulsos y abstracción.

Arnulf Rainer, pintor austriaco, (Baden, Austria, 8 de Diciembre de 1929). Formado en el Instituto nacional de política de Traiskirchen durante los primeros años de la década de los cuarenta. Tiene su primer contacto directo con el mundo del arte al visitar en 1947, la exposición de arte contemporáneo internacional del British Council en Klagernfurt. Lugar donde entra en contacto con la obra de Francis Bacon o Henry Moore, entre otros. Figuras clave para su evolución pictórica posterior.
Por petición familiar, ingresa en la Escuela Industrial del Estado en Villach donde cursa estudios hasta 1949. Posteriormente, admitido en la Universidad de Bellas Artes de Viena, decide abandonarla tan sólo un día después debido a una polémica surgida con el artista asistente Korunka. En seguida, se incorpora a la Academia de Bellas Artes de Viena, donde de igual manera, pero esta vez por ser consideradas sus obras como degeneradas, deja las clases tres días después de aprobar el examen de acceso a la misma.
Imbuido e influido por las corrientes surrealistas, al inicio de los años cincuenta, junto con Lehmden Anton, Arik Brauer, Wolfgang Hollegham, Mikl Josef y Prachensky Marcos constituye el denominado grupo de perros (Hundsgruppe), el cual expone en 1951( por única vez) en las instalaciones de la sociedad vienesa de la ciencia y el arte. Finalizada la muestra, aparca su interés por el surrealismo fantástico y comienza a experimentar con el tratamiento de las microestructuras y la destrucción de la forma (en gran medida consecuencia de su predilección por la abstracción gestual de Jason Pollock, Georges Mathie o Wols) con repintes y máscaras sobre fotografías e ilustraciones, pinturas recubiertas así las llamaban algunos. Dando como resultado su serie: "Imágenes de la destrucción".

Rainer por Marko Lipus.

Un año más adelante, en marzo de 1952 presenta su primera exposición a título individual en las salas de Franck en Frankfurt. Sin embargo, es a partir de los años sesenta cuando entre sus diversos estudios localizados en: Colonia, Berlín o Munich, expresa de manera concreta su fascinación por el cuerpo con su serie de Autoexpresiones o Autorrepresentaciones, donde Rainer recorre con gruesos trazos sus autorretratos fotográficos, como se pone de manifiesto en su magnífica y célebre serie: Farce Faces de 1969 a 1975. Laureado en multitud de ocasiones, la concesión de los siguientes galardones atestiguan el notable valor de sus trabajos: Premio del Estado Austriaco de 1966, Premio de Arte de la ciudad de Viena de 1974, la obtención de la cátedra de Bellas Artes de Viena en 1981, Premio internacional del centro de fotografía de Nueva York en 1989, etc. Asimismo, el prestigio alcanzado a lo largo de su trayectoria se pone de manifiesto  con la exposición de su obra en certámenes y museos de medio mundo: La bienal de Venecia de 1978, Centro George Pompidou de París en 1984, Museo R. Guggenheim de Nueva York en 1989, La 23 Bienal de Sao Paulo en 1996, Museo Stedelijk de Amsterdam en 2000,...
Como curiosidad apuntar que la Academia de Bellas Artes de San Fernando, expuso las series que Rainer entre 1983 y 2005 centró en la figura y legado de Francisco de Goya, como se plasma en este enlace. 

Braids, (1966).

Christus, (1969).

Algunas de las obras de la Serie: Farce Faces, (1969-1975).

Body Language, (1976).

Junto a Dieter Roth.

En compañía de Nikolaus Harnoncourt.